Una reflexión sobre el vocabulario musical

Es común encontrarse con el comentario de que tal o cual músico suena a tal o cual otro, de que no improvisa, que sólo repite licks de otros, que no es original, etc. ¿Cómo se llega a ser original y que se entiende por ello?

Dada mi experiencia como profesor, veo que algunos músicos y buena parte de los estudiantes de música, sobre todo en su fase temprana de formación, tienen un problema en la articulación de un discurso musical coherente. Soy de la opinión de que en buena parte eso es debido a la ausencia de un vocabulario musical.

El tema del vocabulario está directamente relacionado con el concepto de tradición musical. Algunos estilos están más codificados que otros, son aparentemente más cerrados, donde la tradición juega un rol clave para entender como funcionan. Es casi imposible encontrar un músico de blues actual que no venere a las figuras del pasado, a diferencia de ciertos tipos de rock y pop, donde en algunas ocasiones el mensaje que se proyecta es claramente transgresor, queriendo romper con el legado anterior.

La tradición es un cuerpo vivo de conocimiento y experiencia de las generaciones anteriores, y no debe ser tomado como un dogma inalterable. Es el saber de los mayores. Se toma lo que funciona y se cambia aquello que es susceptible de ser mejorado.

Es común encontrarse con figuras destacadas que han sabido sintetizar todo lo que ha sucedido con anterioridad y al mismo tiempo articular un estilo personal y novedoso. Que las grandes baladas de Hendrix lleven el sello de Curtis Mayfield, no lo hace menos original. Que a su vez Stevie Ray Vaughan se vea influenciado por Hendrix a la hora de componer Lenny tampoco. Todo lo contrario, les da una amplia base sobre la que poder construir.

Tradicionalmente la transmisión de ese conocimiento ha sido de forma oral. El músico imitaba los discos y lo que veía en vivo, aprendía del trato con otros músicos. El avance de las nuevas tecnologías, el auge de escuelas de música moderna, la aparición de textos antes ausentes (transcripciones, métodos, revistas, etc.) puede que estén cambiando la metodología, pero estoy seguro que el fin sigue siendo el mismo.

La fuente de la que uno crea hay que nutrirla con algo, alimentar el manantial. Es frecuente encontrarse con la cita para romper las reglas hay que conocerlas. La época más innovadora de los Beatles está sustentada sobre un periodo de formación donde la imitación de las primeras figuras del rock’n’roll (Elvis, Chuck Berry, Carl Perkins) fue un factor clave. A simple vista Sgt. Pepper no se parece mucho a Blue Suede Shoes o Mistery Train, pero se me antoja difícil el primero sin los segundos.

Tema aparte, son aquellos que no superan el periodo de imitación. Aún así, esta puede resultar de lo más curiosa. Eric Clapton menciona como durante la grabación de From The Cradle, por más que intentaba imitar las versiones originales que estaba versionando, siempre terminaba sonando como él mismo. Que ahí radicaba la belleza de todo el ejercicio.

La formación no es igual en todos, de la misma forma que el talento no está repartido de igual manera. El hecho que el primer disco de Pat Martino sea sumamente original, a pesar de su juventud en el momento de la grabación, no quiere decir que sea la regla con la que todos nos tenemos que medir. Unos maduran antes, otros más tarde. El talento no está repartido por igual, y los contextos en los que uno se desarrolla pueden ser diametralmente diferentes. Lo importante es el proceso, hacer lo correcto y disfrutar de la experiencia.

Puede que lo que se entienda por vocabulario y tradición musical sea algo muy concreto (unas frases o licks, una manera de acompañar, unos acordes determinados, unas estructuras, etc.) o algo más abierto (Pat Metheny ve el Jazz más como un verbo que un sustantivo, una manera de hacer), pero me resulta fácil verlo como un trampolín que nos ayude a descubrir la creatividad y lo original que hay en nosotros.

El trompetista de jazz Clark Terry lo resume de manera magistral: imitación, asimilación, innovación. Sólo hay que tener cuidado para crear sobre los hombros de gigantes y no llevarlos a ellos sobre los propios.
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Comentarios
  • #1 por ricci el 03/01/2011
    muy buen tema hermano y totalmente de acuerdo contigo :)!
  • #2 por +++ el 03/01/2011
    Buena reflexión si señor, muy de acuerdo en todo yo tb.
  • #3 por juniuro el 03/01/2011
    buena reflexion
  • #4 por fjavier el 03/01/2011
    Muchas gracias por esta reflexión hecha lección magistral , maestro .

    Saludos de un "padawan" :saludo:
  • #5 por Joan el 04/01/2011
    Grande, si señor, grande.
    Lo mejor:
    Alguien escribió:
    Unos maduran antes, otros más tarde. El talento no está repartido por igual, y los contextos en los que uno se desarrolla pueden ser diametralmente diferentes. Lo importante es el proceso, hacer lo correcto y disfrutar de la experiencia.
  • #6 por almiño el 04/01/2011
    Mil gracias por el aporte! Estas reflexiones nos hacen reflexionar a los demás sobre estos temas de los que tantas opiniones se comparten y son de gran ayuda en el entendimiento de estos conceptos.
  • #7 por diecocan el 04/01/2011
    gracias por la reflexión, esta muy buena:leyendo:
  • #8 por mario abbagliati el 04/01/2011
    Gracias a todos, que bueno que les gusto. Lo que me motivó a escribirlo es el énfasis desmesurado que se pone en las escalas y en los modos, como si fueran la panacea. En mi opinión, su estudio antes de tiempo confunde aún más, crea problemas en vez de solucionarlos, y desde un punto de vista melódico es muy pobre.

    Tengo otra "reflexión" (he estado muy contemplativo ultimamente :D) al respecto del proceso de transcripción que complementa muy bien lo expuesto hasta ahora. Está centrado en el Jazz pero es perfectamente aplicable a otros estilos.

    __________


    EL ARTE DE TRANSCRIBIR

    La transcripción de solos, su aprendizaje y análisis forma parte de la práctica común del estudio de la improvisación en Jazz. Los beneficios que se extraen de ello son múltiples y de la mayor relevancia: desarrollo y entrenamiento del oído; familiaridad con la notación musical; mejora en la pulsación, fraseo y uso de dinámicas a través de la imitación del solo; interiorización de los recursos armónico/melodicos de un estilo o solista en particular; la duplicación exacta de un solo presenta un reto técnico, obligando a desarrollar nuevas herramientas de estudio.

    El análisis de un solo permite desmitificar el proceso de la improvisación, mostrando de manera explícita la lógica musical sobre la cual ha sido creado, “descubriendo los secretos”. Algunas de las características más esenciales de un solo son dificiles de poner en palabras debido a la naturaleza de las mismas y por ello la explicación resulta esquiva, de ahí que la imitación y memorización de una improvisación sea el vehículo apropiado para revelarlas y explorarlas.

    Una aplicación práctica de una transcripción es que ésta sirve también como punto de partida para la improvisación, donde las frases transcritas se pueden encadenar con la propia improvisación, lo cual ayuda a generar contexto y permite aprender a mantener la continuidad del discurso. En función de las necesidades y de las áreas que se quieran trabajar, se escogera un solo que tenga las características buscadas.

    Otro aspecto de gran importancia es que una transcripción bien escogida de una figura relevante es una fuente constante de inspiración. La imitación de un solo clásico despierta la creatividad en uno, incentivándolo a explorar el camino propio.

    Estudio de transcripciones

    El primer paso consiste en la memorización, y no en la lectura, del solo que se ha escogido para trabajar. Esto permite centrar la atención en el mayor número de aspectos de la articulación sin la distración de seguir la improvisación en el papel. El solo se ha de tocar junto a la grabación original así como sin ella, haciendo uso de un metrónomo en 2 y 4, tocando encima de un backing track con la misma progresión de acordes y también sin ningún tipo de acompañamiento. Un ejercicio muy importante consiste en grabarse y comparar con la versión original.

    Una práctica que ayuda enormemente a la interiorización del solo consiste en transportarlo a diferentes tonalidades, idealmente completando el ciclo de quintas. El proceso permite asimilar las diferentes combinaciones interválicas que dan forma al desarrollo melódico, descubrir nuevas digitaciones e incursionar en zonas del instrumento y tonalidades previamente desatendidas. Idealmente ello ha de hacerse sin escribir el solo en la nueva tonalidad. De igual manera, la transcripción ha de practicarse en diferentes tempos.

    El estudio de un músico en particular mostrará la utilización de un vocabulario específico, el cual puede ser altamente original o formar parte de la práctica común de un género determinado, filtrado covenientemente a través de la personalidad del artista en concreto. En cualquier caso, se puede establecer una comunidad de ideas que permita elaborar nuevos modelos de improvisación, reformulaciones del solo original, combinando frases en un orden diferente que den lugar a nuevos solos, descubriendo como el vocabulario puede ser visto de una manera flexible. Este proceso permitirá identificar frases que con posterioridad podrán ser utilizadas en otras improvisaciones y contextos (II – V – I , turnarounds, vocabulario blues, etc.), las cuales habrán de ser debidamente clasificadas, practicadas y memorizadas en todos los tonos y digitaciones.

    Una técnica muy útil consiste en alinear los diferentes coros de un solo verticalmente para poder analizar como diferentes conceptos son empleados en el mismo momento de la estructura. A través de este método se puede observar como están organizadas las frases, tanto desde un punto de vista rítmico (densidad, extensión) como armónico/melódico, permitiendo establecer elementos en común y diferencias con claridad.
  • #9 por Mr.Crowley el 04/01/2011
    Ambos escritos están muy bien, tanto en el fondo -contenido- como en la forma, ya que la redacción está bien cuidada.

    Una pregunta, ¿qué significa esto?:
    Mario Abbagliati escribió:
    haciendo uso de un metrónomo en 2 y 4

    ¿Qué es usar un metrónomo "en 2 y en 4"?

    Un saludo :saludo:
  • #10 por toni barea el 04/01/2011
    Me ha encantao! :brindis: Un auténtico maestro con sabias palabras.
  • #11 por mario abbagliati el 04/01/2011
    Crowly escribió:
    Ambos escritos están muy bien, tanto en el fondo -contenido- como en la forma, ya que la redacción está bien cuidada.

    Una pregunta, ¿qué significa esto?:

    ¿Qué es usar un metrónomo "en 2 y en 4"?

    Un saludo :saludo:


    Que haga clic sólo en los tiempos 2 y 4. En este vídeo se explica (minuto 6)

  • #12 por bryan86 el 04/01/2011
    Excelente aporte que gran leccion la que acabo de recibir muchas gracias!
  • #13 por trullols el 04/01/2011
    Acabo de recibir dos grandes lecciones, si señor, muchas gracias por compartir esos razonamientos, Mario :ok:

    Un saludo!!
  • #14 por Mr.Crowley el 05/01/2011
    Mario Abbagliati escribió:
    Que haga clic sólo en los tiempos 2 y 4. En este vídeo se explica (minuto 6)


    ¡Muchísimas gracias! :ok:
  • #15 por chinozgz el 06/01/2011
    Muchisimas gracias por los dos aportes. Me serán de muchisima utilidad.
  • #16 por jgnacdc el 07/01/2011
    Gran reflexión, si si.
    No es que me queje, pero es bueno que haya en portada algo más que nuevos pedales signature:roll:
  • #17 por Concerock el 04/07/2011
    Creo que respecto a la maduración en la guitarra la estoy encontrando recién ahora, siento una comunicación mas allá de instrumento - artista, estoy sintiendo nuevamente el amor por mi guitarra y el deseo de proponer ideas nuevas, proyectar mi sentir sobre las notas que pulso en el viejo mástil de 6 cuerdas.-

    Muy buen tema amigo!
  • #18 por mrnitro el 30/11/2011
    gracias